【『肆足歩行 / 足立レイV6』MVメイキングの補足】 ありがたいことに前回のメイキング解説が好評だったようで「ヤバい」「怖い」「意味が分からない」「恐ろしい」といった感想を多くいただきました。せっかくなので前回の続きとして補足を記載しました。今回もサツキさんのMV本編とあわせて観ていただけると嬉しいです！ niconico：nico.ms/sm46867629 YouTube：youtu.be/GPr_cM7Nyzk なお、前回は「画面をどう動かしているか」について解説しましたが、今回はそれより一段上の視点で「画面の動かし方をどう発想しているか」について説明します。 前回と同様に映像の演出意図については深く触れません。 私のアニメーションの作り方は基本的に2種類あります。1つは画面全体のラフを考えてからそれに合わせて個々のパーツを作る方法です。いわゆるトップダウン的な手法になります。 もう1つは画面のイメージから思い浮かんだパーツを先に制作してしまい、AE上でそれらをごちゃごちゃと動かしながらその場で面白い演出を考える方法です。いわゆるボトムアップ的な手法になります。 前者は前回解説したラスサビで、後者は間奏部分の、足立レイの頭部を解体していくアニメーションで使用しています。主にこの2つの考え方をカットごとに切り替えたり、部分ごとに混ぜて画面を捉えることでアニメーションを設計しています。 実は、以前に解説したラスサビのアニメーションは「複雑さ」を演出するために機械を派手に動かしているだけで、画面構造自体はそこまで複雑ではないと思っています。 ラフがある程度決まった段階で全工程が見通せるので、あとは一手ごとにグラフィックデザインとしての美的判断を誤らないよう進めていけば、どうにか完成できると考えていました。段階的に情報を展開していく構成なので見た目が華やかになりやすく、状況も理解しやすいだろうと作る前から予想できていたため、ラスサビに配置しています。 レイヤー構造として複雑なのは、どちらかというと間奏の頭部を解体するシーンの方です。画面表面に張り付くグラフィック的な処理と3D空間に配置されたオブジェクトとしての処理を滑らかに接続しているので、試行錯誤しながらボトムアップでパーツを組み上げていく必要があり、こちらの方がコンポジション (要素の前後関係の把握) の地力を問われる感覚がありました。 特に金属アームの陰影のマスク処理や、頭部の"断面"の描画順序を把握しながらアニメーションを展開していくのが難しく、断面についてはレイヤーのコンポジット構造を頭の中で想像しながらイラスト素材を描くことが困難だったため、先に仮素材でコンポジットを組み、後からイラスト素材に差し替える手順を取っています。 大まかにはこのような流れでアニメーションの設計をしています。また、前回書き忘れていたAEでのコンポジット以外の処理についても少し補足します。 今回多用した手のアニメーションなどは自分で撮影した素材をロトブラシで綺麗に切り抜いた後、フレームレートを落としつつMV全体で使っているピクセルアートのカラーパレットに合わせて色を整えています。そうすることで若干の不気味さを残しつつも、イラストに馴染むように合成しています。 他にAEで行っていた主な作業として「素材ごとのピクセルアートの輪郭線処理」があり、これにはかなり悩まされました。 Blenderで3D素材を書き出す際、ノードを組むことでオブジェクト間に任意の輪郭線を描けるのですが、その輪郭線を完全にピクセルパーフェクトにする方法が分からずAE側でごまかしたり、あえてAsepriteに持ち込んで1フレームずつ手作業で描いたりと、割と迷走していた記憶があります。 AEのパペットツールでスプライトを変形している箇所もあり、ピクセルパーフェクトな輪郭線をAE側で描くのか、一旦PNGで書き出してからAsepriteなどで後処理として付け加えるのか判断に迷うこともありました。 ピクセルアートをAE上で扱うことにまだ慣れ切っていないこともあって、画像素材の扱い方に悩む場面が多かったです。 今回の反省を踏まえて今後も魅力的な作品を制作していきたいと思います。 以上です。